Liyan Ye
¿Cómo se relaciona la fotografía con tu identidad artística?
La fotografía funciona como un espacio de libertad y exploración, junto con el cine, los video ensayos y la escritura como columnista. Mientras que escribir se siente como estar en casa y la videografía funciona como un sendero dentro de un jardín, la fotografía es mi territorio más aventurero. Es un espacio de juego donde puedo experimentar de manera espontánea e intuitiva, sin preocuparme por el resultado o por un producto final. A través de la fotografía, me permito estar presente y ser sincero, abrazando el azar y la inmediatez como partes esenciales de mi identidad creativa.
En tu proyecto hablás de “actos frágiles de optimismo en tiempos de crisis”. ¿Cómo se relaciona esto con el arte y la juventud en el lugar donde vivís?
Shanghái suele presentarse como un gran destino turístico, definido por lugares icónicos como el Bund o la calle Nanjing, pero la ciudad también ofrece alternativas ocultas y de bajo presupuesto, como el ferry del Yangtsé o la playa de Jinshan. Estos espacios, muchas veces ignorados, demuestran que si es posible viajar con poco presupuesto en Shanghái, también lo es en el resto de China.
El título Better Than Nothing, tomado de una reseña online sobre una de estas atracciones económicas, refleja esta idea: cuando las opciones de escape son limitadas, tener algo, aunque sea imperfecto, sigue siendo mejor que nada. Estas alternativas suelen ser frecuentadas por la clase trabajadora y por trabajadores migrantes, jóvenes que se trasladan a las grandes ciudades en busca de oportunidades y que a menudo enfrentan una sobrecarga laboral, intensificada después del COVID.
Si bien el ocio y los viajes suelen presentarse como formas de alivio, muchas veces están atravesados por el consumo mediado por las redes sociales y por sistemas más amplios de explotación, dejando sin respuesta preguntas como “¿realmente estamos mejorando?” y “¿quiénes somos?”. En este contexto, el arte, idealmente una fuente de alivio, inspiración y pasión a veces cae en la misma lógica y se convierte en otra imagen lista para el consumo. Sin embargo, el arte no necesita estar limitado a cubos blancos o espectáculos pulidos; puede existir como una simple transmisión de sensaciones o como un espacio de juego libre.
¿Qué significa Better Than Nothing?
El proyecto habla de todas aquellas personas que tienen dificultades para reconocer o definir su propio estatus e identidad mientras intentan escapar de aquello que les fue impuesto, esperado o dicho que debían ser. Esa tensión ha sido una preocupación central para mí.
Lo que comenzó, hace tres años, como un proyecto personal que funcionaba casi como un pretexto para escapar del estancamiento post COVID , tanto físico como mental, fue transformándose gradualmente en un proceso de autoconocimiento. A lo largo de ese recorrido, empecé a entender qué es lo que realmente me atrae: ciertas personas, lugares y acontecimientos conectados por una atmósfera, una energía y una sensibilidad compartidas que resuenan con mi propia experiencia. Cuando estos elementos recurrentes comenzaron a unirse, empezó a emerger una narrativa.
En un momento en el que la era digital parece ser la única opción, ¿Cómo puede el archivo construir historia a partir de lo que sucede en la vida real, más allá de las pantallas?
En China hubo regulaciones muy estrictas durante el COVID: era obligatorio tener un teléfono para demostrar que estabas sano. Sin embargo, durante la pandemia fue la primera vez que tomé una cámara para trabajar en este proyecto, y también fue el medio que me permitió aliviar el estrés de usar el teléfono. Todo estaba cargado de enojo, ansiedad, noticias y consumo masivo a través de la tecnología.
Por eso decidí dejar el smartphone y cambiarlo por un teléfono muy antiguo que solo permite llamadas y mensajes de texto. Más tarde me anoté como voluntario para salir a la calle simplemente a tomar fotografías.
En términos de archivo, creo que el núcleo debería ser la autenticidad. Me di cuenta de que el momento en el que dejé el teléfono y salí por la puerta fue cuando me encontré con esa autenticidad. Cuando dejé de escuchar a los medios, las quejas y la idea preconcebida de que el mundo se reduce a discusiones sobre quién es bueno y quién es malo. Fue esa necesidad de buscar autenticidad lo que me llevó a fotografiar la realidad y a crear un archivo.
¿Qué historias te inspiran para construir
tu narrativa visual?
Hay muchas, porque el proyecto del COVID fue un pretexto para salir de mi casa. Pero una vez que lo terminé, imprimí todas las fotografías y empecé a mostrárselas a las personas que había retratado, y me sorprendieron mucho las respuestas positivas. No sé, quizás cuando fotografías a policías no esperás que les gusten las imágenes, pero les gustaron.
Me interesa la idea de usar la fotografía como un pretexto que me permita salir, observar y trabajar en distintos proyectos. Durante los últimos tres años viajé mucho para desarrollar este trabajo y lo que descubrí es que las personas que fotografié también estaban buscando excusas para “escapar”: ya sea a través de unas vacaciones, de perseguir sus sueños o de buscar algún tipo de trascendencia. Es una forma de salir del estancamiento que dejó el COVID.
Lo que más me inspira es el encuentro con las personas que fotografío y la repercusión que el trabajo tiene en ellas.
Hungry for Creation hace referencia a aquellos artistas que quieren devorar el mundo con su arte. ¿Qué es lo que realmente te apasiona como artista joven? ¿Cómo transmitir esa pasión?
Ese deseo también implica ser devorado por el mundo a cambio, saborear tanto su dulzura como su amargura, y tomar conciencia de mis propios sentidos y de mi capacidad de sentir y responder. Me apasiona profundamente el proceso creativo en sí: mirar constantemente a través de mi medio elegido como si fuera a la vez una ventana y un espejo, adentrándome en lo desconocido mientras me descubro a mí mismo.
Tomando la distinción de John Szarkowski entre los fotógrafos que miran hacia afuera, al mundo, y aquellos que miran hacia adentro, concibo mi práctica como un movimiento entre esas dos posiciones. Si bien no puedo garantizar cómo será recibida o transmitida mi obra, sí puedo comprometerme con el proceso: con la pasión, el cuidado y, sobre todo, con la autenticidad. Espero que esa autenticidad resuene, primero con quienes me rodean y, eventualmente, con públicos más amplios, generando una frecuencia compartida de conexión.
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